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L'épreuve aura lieu le 23 mai.

Il n'y aura PAS DE TEMPS DE PREPARATION.

Si vous présentez un extrait de film ou une oeuvre qui n'est pas sur le blog, n'oubliez pas de l'apporter sur une clé USB. Si vous ne l'avez pas vous serez lourdement pénalisé.

Bon courage pour la préparation.

Les professeurs

Roy Lichtenstein (1923-1997)

Étudiant en art à l’Université d’État de l'Ohio, Roy Lichtenstein interrompt ses études pour servir son pays durant la Seconde Guerre Mondiale. De retour aux États-Unis, Roy Lichtenstein exerce plusieurs métiers tels que professeur ou dessinateur. Sa carrière d'artiste décolle dans les années 1960, alors qu'il enseigne à l'université,  grâce à des œuvres basées sur des personnages de dessins animés et des techniques de l'imprimerie commerciale . Il devient alors l'une des figures emblématique du Pop Art américain.

Le Pop Art

Né dans les années 1950 Royaume Uni, le Pop Art s'est ensuite exporté et développé aux États-Unis dans les années 1960, pour y devenir un mouvement artistique majeur. Le mouvement est intimement lié au regain économique et à la société de consommation de l'époque. En effet, les artistes s'inspirent de la publicité, de bandes dessinées, d'objets de tous les jours fabriqués en série, en bref, de la culture populaire – d'où son nom.

Une analyse possible de l’œuvre

Ce double tableau s'inspire de All American Men of War, série de bandes dessinées publiée par DC Comics. Le tableau reprend  les codes de la bande dessinée tels que les bulles, les cadres, les onomatopées, etc. Un avion américain est représenté abattant un autre avion.
Cette scène violente et chargée en émotions – n'oublions pas la date de publication et le traumatisme de la guerre  – est ainsi représentée par Lichtenstein par une technique moins solennelle qu'est la bande dessinée et l'utilisation de couleurs vives et expressives grâce à la peinture acrylique (matériau innovant créé après la Seconde Guerre Mondiale).

Le décalage entre le fond et la forme permet au public une grande liberté d'analyse et d'interprétation de l’œuvre, ce qui était l'objectif de l'artiste.

Ressources pour approfondir vos connaissances

http://www.lichtensteinfoundation.org/

http://www.le-pop-art.com/roy-lichtenstein.html

Fiche réalisée par Mme Séry

Andy Wahrol, Campbell’s Soup Cans, 1962

I/ Présentation de l’œuvre

1)                 Présenter l’œuvre (artiste ,date, lieu de conservation, dimensions..)

2)                 Dans quel contexte économique et social a-t-elle été réalisée ?

II/ Analyse de l’œuvre

3)                 De combien de toiles cette œuvre est-elle constituée ?

4)                 Quel objet de  Warhol a-t-il choisi de représenter ?  Décrivez le

5)                 Décrivez les formes et les couleurs

6)                 Décrivez la composition de l’œuvre :   Qu’a  fait l’artiste avec l’objet ? Quelle technique utilise-t-il ?

III/ Interprétation de l’œuvre

7)                 A quoi se compare Andy Warhol lorsqu’il réalise des œuvres artistiques ?

8)                 Pourquoi l’artiste a –t-il choisi de représenter cet objet ?

9)                 Quelle image Warhol donne –t-il de la société de consommation ? A votre avis, est-ce une critique ou au contraire une admiration ?

CORRIGE

I/ Présentation de l’œuvre

1)                  Campbell’s Soup Cans est une peinture à l’acrylique de 50,8 par 40,6 cm, exposée au musée d’art moderne de New York et réalisée par sérigraphie en 1962.Cette œuvre fut réalisée par Andy Warhol, un peintre américain.

2)                  Cette œuvre a été réalisée durant les Trente Glorieuses (1945-1975) marquées par l l'apparition de nouveaux biens de consommation (voiture, électroménager,télévision...) et donc l'essor de la société de consommation et de loisirs.

II/ Analyse de l'oeuvre

3)                  Cette œuvre est composée de 32 toiles

4)                  Il s'agit d'une reproduction de 32 boites de soupe.

Au centre de la toile, une boite  de conserve de soupe américaine avec son emballage est reproduite  de face en gros plan, elle occupe tout l’espace, seule une petite partie métallique est visible en haut en bas. Légèrement vue de dessus, on peut apercevoir le couvercle. L’écriture Cambell ‘s blanche se détache sur un fond rouge, tandis que la partie basse indique le mot soupe et sa caractéristique : Chicken Noodle, Beff, ognon, tomato….au centre de chaque boite se détache un cercle jaune.

5)                  Les couleurs : Elles sont vives/l’impact visuel très fort comme dans la publicité. (contraste du rouge et du blanc)

6)                   La Composition/l’organisation : c’est une  œuvre en série 

 Par le jeu de l’accumulation et de la répétition du même motif, il crée un rythme ordonné.

Warhol s'inspire d'une technique industrielle : la sérigraphie.(Il ne faut pas l’oublier, première métier de l’artiste, illustrateur dans la publicité).

III/ Interprétation de l’œuvre

7)                  Andy Warhol s'inspire des « comics » américains et de la publicité pour réaliser ses œuvres. Il utilise des biens courants de consommation car il est persuadé que l'art est à la portée de tous, dans le quotidien, d'où le nom du courant artistique «  Pop art ».Il se compare à une machine, ce qui renvoie à la production en série ou masse dans l'industrie.

8) Andy Warhol a choisi de représenter un objet banal, ordinaire, alimentaire du quotidien que chaque américain pouvait trouver dans Les supermarchés et consomme tous les jours. (C’est le cas de l’artiste).

•   -c’est un objet symbolique de la société de l’époque  «  même le   président boit du COCA comme le simple clochard »

•   Warhol a aussi représenté d’autres objets : la bouteille de coca/les billets dollars/chaises  électrique

•   -c’est désormais un objet d’art. Un objet ordinaire devient sujet artistique

9)                  Difficile de répondre !

Du point de vue du spectateur,  on pourrait penser qu'Andy Warhol a  voulu faire une critique de la société de consommation, via les techniques utilisées ( sérigraphie, représentation d'un objet très banal). On  pourrait donc y voir une critique de la société qui produit en masse des biens et qui incite à les consommer !

Si on se place maintenant du côté de l'artiste, rappelons qu'il a une formation de publiciste et qu'il a en fait une vision plutôt positive de la culture ordinaire.

Fiche réalisée par Mme Potempa

La Guerre ou la chevauchée de la discorde, Henri Rousseau, dit Le Douanier Rousseau, (1894)

Huile sur toile, 1,14 x 1,95 m, Musée d’Orsay, Paris.

Description du tableau

                Henri Rousseau, dit le Douanier Rousseau, a participé à la guerre contre la Prusse de 1870. Profondément marqué par cette expérience, il représente la guerre sous la forme d’une femme habillée de blanc, tenant une torche fumante d’une main et une épée de l’autre, qui descend d’un cheval noir monstrueux. À ses pieds se trouvent des cadavres, pour certains démembrés, sur lesquels des corbeaux viennent se nourrir.

Le paysage est dévasté : les arbres sont morts, le sol est nu, les nuages ont une couleur rouge qui rappelle le sang.

Propositions d’interprétation

                La figure féminine au centre du tableau évoque la déesse romaine Bellone, divinité de la guerre : c’est une allégorie. On notera son sourire effrayant et sa course qui sème la mort et la destruction. Le cheval noir qui se trouve derrière elle est déformé, monstrueux : il rappelle les cavaliers de l’Apocalypse, qui répandent les désastres sur la terre.

                La structure du tableau met en valeur ces deux entités : ils sont encadrés par les figures horizontales que constituent les cadavres et les nuages, et par les formes verticales des arbres.

                Comme dans le poème de Tardieu, la représentation de la destruction se fait aussi par l’absence : ici l’absence de couleur. Le noir (le cheval, les arbres et le sol), le blanc (la robe de la déesse et les cadavres) et le rouge (nuages) dominent, rappelant la mort et le sang, alors que le vert, couleur de l’espoir, n’apparaît pas.

                Ce tableau que l’on associe à l’art naïf (simplification, absence de perspective) permet, grâce à stylisation même, de représenter l’irreprésentable, la destruction de toute vie.

Fiche réalisée par Mme Gourdé

« Oradour », Jean Tardieu, Les Dieux étouffés (1944)

Oradour n’a plus de femmes

Oradour n’a plus un homme

Oradour n’a plus de feuilles

Oradour n’a pas plus de pierres

Oradour n’a plus d’église

Oradour n’a plus d’enfants.

plus de fumée plus de rires

plus de toits plus de greniers

plus de meules plus d’amour

plus de vin plus de chansons.

Oradour j’ai peur d’entendre

Oradour je n’ose pas

approcher de tes blessures

de ton sang de tes ruines,  

je ne peux, je ne peux pas

voir ni entendre ton nom

Oradour je crie et hurle

chaque fois qu’un cœur éclate

sous les coups des assassins

une tête épouvantée

deux yeux larges deux yeux rouges

deux yeux graves deux yeux grands

comme la nuit la folie

deux yeux de petit enfant :

ils ne me quitteront pas.

Oradour je n’ose plus

Lire ou prononcer ton nom

Oradour honte des hommes

Oradour honte éternelle

Nos cœurs ne s’apaiseront

que par la pire vengeance

haine et honte pour toujours.

Oradour n’a plus de forme

Oradour femmes ni hommes

Oradour n’a plus d’enfants

Oradour n’a plus de feuilles

Oradour n’a plus d’église

plus de fumées plus de filles

plus de soir ni de matins

plus de pleurs ni de chansons.

Oradour n’est plus qu’un cri

et c’est la bien la pire offense

au village qui vivait

et c’est bien la pire honte

que de n’être plus qu’un cri

nom de la honte des hommes

le nom de notre vengeance

qu’à travers toutes nos terres

on écoute en frissonnant

une bouche sans personne,

qui hurle pour tous les temps.

Oradour-sur-Glane est une commune du Limousin. Le 10 juin 1944, les nazis, par mesure de représailles, y massacrèrent 643 personnes dont 500 femmes et enfants. Ceux-ci périrent enfermés dans l’église à laquelle les nazis avaient mis le feu.

                Le poème « Oradour » a été écrit en 1944 par Jean Tardieu, qui participa aux publications clandestines de la Résistance.

La structure du poème

Le poème est composé de plusieurs strophes irrégulières, rassemblant des vers isométriques (de même longueur) non rimés.

Les choix d’écriture

                Pour représenter la destruction, le poète a choisi de multiplier les négations pour décrire le village : il énumère tout ce qui a disparu, les êtres humains, les bâtiments, les signes de vie… mais en les niant.

                Il utilise les répétitions, notamment l’anaphore (répétition en début de vers) du nom Oradour : pour lutter contre la destruction et l’oubli, ce nom est martelé tout au long du poème. D’ailleurs le village est réduit à l’état de « cri » : il est devenu le symbole de la « honte », de la barbarie de la guerre qui l’a rayé de la carte.

                Le poète fait partager ses émotions aux lecteurs : devant l’horreur que représente Oradour,  il ressent de l’effroi car il est incapable d’en parler ou de l’imaginer (voir strophes 3 et 4, le cauchemar à la strophe 4). En réaction, le poème se conclut sur des appels à la vengeance : Tardieu se place dans la lignée des poètes de la Résistance. Son texte est cri de révolte face au désastre.

                Le poème est un moyen de lutter contre l’oubli, en rappelant sans cesse aux lecteurs le nom d’Oradour et ce que ce village n’est plus.

Fiche réalisée par Mme Gourdé

MASSACRE EN COREE

Fiche réalisée par Mme Vona et M. Kheloufi